Het is tien jaar geleden dat Tate Britain al zijn galerijen heropende. In een 126 jaar oud museum met een collectie Britse kunst van 500 jaar oud is dat natuurlijk een relatieve druppel op een gloeiende plaat. Maar in termen van houding ten opzichte van kunst en haar geschiedenis, en de manier waarop musea het tentoonstellen, kan ik me niet voorstellen dat er ooit een periode van tien jaar is geweest van meer seismische verandering.
De historische canon wordt opgeblazen, wat betekent dat meer vrouwen en vrouwelijke kunstenaars van kleur de bekendheid krijgen die ze verdienen. En ook de artiesten, landschappen en opdrachtgevers achter de kunst worden opnieuw onderzocht. Het is niet langer voldoende om naar schilderijen van de rijken en machtigen uit het verleden te kijken zonder de context te onderzoeken waarin ze werden ondersteund, of om een landhuis en zijn landgoed te zien en niet na te denken over waarom en hoe ze zijn gebouwd. Kunst komt altijd voort uit bepaalde sociale en culturele omstandigheden, dit negeren lijkt absurder dan ooit.
Dit zijn dus de drijvende principes van de nieuwe tentoonstellingen van Tate Britain. Officieel zijn er drie thema’s: Groot-Brittannië en de wereld, Kunst en samenleving, Geschiedenis en heden. Ze staan al lang centraal in het programma van de galerie. Maar nooit zo volledig of expliciet. Het is gemaakt met redelijke grondigheid en heeft een brede algemene chronologie die thematische ruimtes omvat. Het vertelt zijn verhalen op twee manieren: door voortreffelijke en verhelderende teksten, en door wat Tate Britain-regisseur Alex Farquharson ‘clandestiene onderbrekingen’ door kunstenaars noemt.
In een 18e-eeuwse kamer met uitzicht op de stad, waar je de economische voordelen van de slavenhandel voor Groot-Brittannië kunt zien, staat stoel nr. 35 van Sonia E Barrett, een kunstenaar van Jamaicaanse afkomst. Verbrijzeld en uitgestrekt als een gebroken lichaam op zee, is het een aangrijpend en aangrijpend antwoord op de werken in de buurt. In dezelfde ruimte, tussen Canaletto en Hogarth, stelt Pablo Bronstein zich een Molly House voor waar queer mannen zouden socialiseren en seks zouden hebben alsof het zijn doel kon vieren, versierd met verwijzingen naar historische homoseksuele mannen, homo-erotische kunst en zelfs emoji-toespelingen.
Teksten over historische werken verrijken de schilderijen in plaats van af te leiden door ons te informeren wie de sitters waren, waarom ze werken bestelden, hoe ze ze konden betalen en vaak wie ze onderweg uitbuitten. De kracht van Gainsborough’s portret van de familie Baillie wordt op geen enkele manier verminderd door de wetenschap dat de pracht die Gainsborough zo mooi beschrijft in dit beeld van familieharmonie, te danken is aan James Baillie’s rijkdom van de plantages in Grenada en Brits Guyana die hij bezat en passeerde. op naar zijn schattige kinderen.
Visueel wordt de collectie merkbaar nieuw leven ingeblazen. Een van de redenen hiervoor is dat 70 van de 800 werken in de Hang – zowel historische als hedendaagse werken – in de afgelopen vijf jaar zijn verworven. Maar de curatoren hebben ook dieper in de collectie gekeken en lang bewaard gebleven objecten gevonden die al decennia lang het daglicht niet hebben gezien.
Ja, de meeste van de beroemdste werken – van Hogarth tot Hockney – zijn hier te vinden. De Clore Gallery herbergt nog steeds tal van schilderijen van JMW Turner en een John Constable-kamer. Er zijn fantastische tentoonstellingen gewijd aan William Blake, Henry Moore en Richard Hamilton. Maar ik was ook verrast en verheugd in bijna elke kamer en heb veel geleerd.
Vrouwelijke kunstenaars zijn vanaf het begin aanwezig: Joan Carlile en Mary Beale in de Stuart-periode, Angelica Kaufmann in de 18e eeuw, Henrietta Rae en Dorothy Stanley in het Victoriaanse tijdperk, Marlow Moss en Winifred Nicholson zij aan zij in hun eigen ruimte tot internationale modernisme en daarbuiten Ze bleven bekendheid krijgen in tentoonstellingen totdat ze in de latere 20e en 21e eeuw gelijk werden gemaakt. Een solo-optreden voor vrouwenkiesrechtactiviste en baanbrekend Royal Academy-lid Annie Swynnerton zou nog niet zo lang geleden ondenkbaar zijn geweest. Ik zou het vieren als ik haar zoete stijl kon verdragen.
Even onverwacht zetten de moderne en eigentijdse ruimtes de standaardverhalen van recente tijdperken op hun kop. In No Such Thing as Society, de ruimte van de jaren tachtig, zijn Black Arts-centrale figuren zoals Ingrid Pollard en Donald Rodney terecht prominent aanwezig, net als New British Sculpture-kunstenaars zoals Antony Gormley en Tony Cragg. Een mini-expositie van de jonge Britse kunstenaars uit de jaren negentig laat zien hoe karikaturaal deze tijd is geworden; Grote stukken van Mona Hatoum, Sutapa Biswas en Chris Ofili verdiepen het gevoel voor de kunst van politieke soberheid van die tijd.
De laatste kamers bevatten prachtige schilderijen van Mohammed Sami, Lynette Yiadom-Boakye en Kudzanai-Violet Hwami, een prachtig beeldhouwwerk van Veronica Ryan en een film van Zineb Sedira. Misschien was de eenvoudigste taak van Farquharson en zijn team om de briljante diversiteit van de hedendaagse Britse scene te weerspiegelen. Dat ze de rest van de collectie meer rijkdom hebben gebracht en hun verhaal zo precies hebben verteld, is een prestatie.
Tate Britain, nu open; tate.org.uk