BBC Symfonie Orkest/Tippett, Barbican ★★★★★
Wanneer een geniale componist wordt geconfronteerd met beschuldigingen van vaagheid en technische onhandigheid, zelfs als de beschuldigingen maar half waar zijn, vormt dit een belemmering voor waardering. Om haar toneelstukken tot een succes te maken, is een voorstelling met oprechte compassie en inzicht nodig.
Op vrijdagavond deed het BBC Symphony Orchestra precies dat met twee stukken van Michael Tippett, de componist die Benjamin Brittens grote rivaal was maar wiens reputatie sinds zijn dood in 1998 is uitgehold. De eerste hiervan, het Concerto for Double String Orchestra uit 1939, was bedoeld om een extatische, dansachtige helderheid te hebben, maar deze grillige ritmes kunnen stekelig en moeizaam klinken bij een gemiddelde uitvoering, alsof Tippetts pogingen om zich tot jazzsyncopatie te wenden, aan de gang waren. . Onder de sluwe, glimlachende leiding van Andrew Davis zorgden de snaren van de BBC SO er echter voor dat het allemaal met uiterste natuurlijkheid schitterde. De dansachtige ritmes in de buitenste delen, de langzame, bluesachtige melodie in het middendeel, zelfs de zoekende, angstige passages die deze melodie omringen hadden een ongewone uitstraling.
De blues en grillige ritmes – nu meer angstig dan blij – keerden terug in het hoofdwerk van de avond, het oratorium A Child of Our Time. Het draait om een aangrijpend waargebeurd verhaal over een joodse vluchteling die een nazi-functionaris vermoordde en een golf van anti-joodse haat ontketende. Tippett maakte er een gelijkenis van over de menselijke neiging om hun duisternis op te leggen aan een ander die verdreven moet worden. Een actueler onderwerp kon nauwelijks bestaan, maar door de personages terug te brengen tot universele figuren (“jongen” en “moeder”) en het verhaal in psychologisch jargon te verpakken, riskeerde Tippett het verhaal terug te brengen tot bloedarmoede abstractie.
Gelukkig waren er vier geweldige solisten aanwezig om deze dreiging af te weren. Tenor Joshua Stewart liet ons de paniek voelen van de “jongen” die moet vluchten, mezzosopraan Sarah Connolly sprak waarschuwende en troostende woorden, terwijl tante, bas Ashley Riches, als de evangelist in een Bach Passion, aan de ene kant van de verhaalstaand (een hint die Tippett had bedoeld) jammerde op een toon die gevuld leek met al het verdriet van de wereld. De Zuid-Afrikaanse sopraan Pumeza Matshikiza raakte me het meest. Haar zachte, tere stem zweefde moeiteloos boven de dichte koor- en orkestklank en ging recht naar het hart.
Achter de solisten was het BBC-koor altijd bedwelmend gefocust, of het nu de belichaming was van de menigte die schreeuwde ‘Burn their houses down!’ of ons liet wegzinken in de sublieme spirituals die Tippett in het verhaal weeft. Ook de BBC SO waren in topvorm en lieten de kleine instrumentale tussenstukken, zoals die voor fluit en altviool, net zo nobel en welbespraakt overkomen als de vocale nummers. Dankzij iedereen op het podium heeft het stuk zijn eigen zwakheden overwonnen zoals het hoort. ik H
Geen optredens meer
Philharmonia/Kochanovsky, Royal Festival Hall ★★★★☆
Hoe dingen zijn veranderd op het gebied van Russische muziek. Een jaar geleden, toen het erop leek dat de Russische invasie van Oekraïne snel voorbij zou zijn, maakten enkele orkest- en zaalmanagers, evenals culturele commentatoren, van de gelegenheid gebruik om zich moreel te laten gelden. Ze stonden erop dat al het Russische moest worden geschrapt, alsof Glinka, Rachmaninoff en Sjostakovitsj op de een of andere manier de schuld van Vladimir Poetin deelden.
Het volledig Russische Philharmonic-concert van donderdagavond toonde aan dat de geestelijke gezondheid nu is hersteld. En godzijdank, want deze onderdompeling in de muziek van de Russische zilveren eeuw aan het begin van de 20e eeuw was ronduit fascinerend. In die tijd waren alle oude zekerheden opgelost en veranderden dichters en musici de werkelijkheid in lichtgevende symbolistische dromen.
Eén van die visioenen trof ons vanaf het begin, namelijk The Bells van Rachmaninoff. Hier wordt het beroemde gedicht van Edgar Allan Poe, dat de bellen oproept van sledetochten, oorlog, bruiloften en begrafenissen, muzikaal vertaald in zwevende zanglijnen, zilveren celesta, rinkelende koperblazers en treurig gerinkel van gebalde snaren. Dit alles werd door de Philharmonia-spelers in heerlijk somber-heldere kleuren weergegeven, maar het dirigeren van Stanislav Kochanovsky liet veel te wensen over. Het tempo op de laatste pagina’s van het openingsdeel, Silver Sleigh Bells, was zo scheef dat het slotakkoord eigenlijk overbodig leek, en voor een dirigent die constant in het operahuis werkt, was Kochanovsky verrassend onverschillig tegenover de drie zangers en verliet het orkest. om ze meer dan eens te verdrinken.
Toch schitterde de perfect gecontroleerde, langgesponnen lijn van de Armeens-Britse sopraan Anush Hovhannisyan – verreweg de beste van de drie – prachtig, en het Philharmonia Chorus had de mystiek intense kwaliteit die de muziek nodig heeft. Toen kwam From the Apocalypse van Anton Lyadov – een titel die geschikt was voor veel Russische muziek uit die periode – een merkwaardig beklijvende mix van Wagneriaanse mistige diepten en Oud-Russische gezangen.
Eindelijk kwam het meest visionaire orkeststuk aller tijden, Alexander Skrjabins Prometheus. Het roept het idee op van de mensheid die opstijgt van materiële traagheid naar spirituele grootsheid in een muziek van steeds toenemende extase. Dit optreden werd aangevuld met een nauwkeurig getimed spel van gekleurde lichten op het orkest, aangevraagd door Scriabin maar meestal weggelaten. Tot mijn verbazing voegde het een extra vleugje buitenaardsheid toe aan de ervaring. Maar wat de muziek echt van de grond kreeg, waren de opzwepende solo’s van Philharmonic Principal Trumpeter Christian Barraclough, die je er echt van konden overtuigen dat de mensheid op weg is om goddelijk te worden. Bedwelmende, gevaarlijke dingen. ik H
Geen optredens meer
Symfonieorkest van Bournemouth/Karabits, Lighthouse, Poole ★★★★☆
Het vertrouwen van het publiek winnen om je te volgen in onbekende muzikale wateren is een geschenk dat niet elke dirigent heeft. Simon Rattle heeft het in overvloed, zoals hij heeft gedemonstreerd tijdens zijn 18 jaar bij het City of Birmingham Symphony Orchestra, en Vladimir Jurowski heeft opmerkelijke bijdragen geleverd met de London Philharmonic. Nu is het de Oekraïense Kirill Karabits die het tempo bepaalt in Bournemouth met zijn verkenningen van Russische en Oost-Europese componisten waarvan we nauwelijks wisten dat ze bestonden. En de zaal zit altijd vol.
Toegegeven, de onbekende naam van woensdagavond, Rus met Belgische roots Reinhold Glière, was niet zo’n grote uitdaging. Zijn werk The Sirens uit 1908 is een van die stukken van weelderige orkestrale magie die de Fransen hebben geperfectioneerd en die de Russen met enthousiasme hebben opgepakt – een feit dat handig werd opgemerkt tijdens dit concert, dat ook twee voorbeelden van de Franse variant in werking trad.
Het was door en door Frans toen het stuk van Glière begon met sombere contrabassen die diepe lage tonen opriepen, maar toen nam het tempo toe en kregen de harmonieën de sprookjesachtige levendigheid van Stravinsky’s Vuurvogel. Karabits en het orkest projecteerden de verandering met ongelooflijke levendigheid en intensiteit. Hoe slaagden slechts vijf contrabassen erin om zo’n griezelig, muurbrekend gerommel te creëren? De laatste momenten, met trompetgeschal terwijl de sirenes de matrozen naar hun gevaar voerden, waren onweerstaanbaar.
Na de pauze was er nog een heerlijke, calorierijke portie van Glière in de vorm van zijn fragmentarische eendelige Vioolconcert. Dit was romantischer dan de sirenes en lag zo dicht bij Sibelius in de prachtig treurige langzame melodie dat de oudere componist waarschijnlijk door had kunnen gaan.
De virtuoze vingerbewegingen van de dubbele toonladders en heroïsche octaven waren waanzinnig veeleisend, evenals de plotselinge wendingen naar klagende, fragiele expressiviteit. Maar niets bracht de elegante, flinterdunne solist Stefan Jackiw van streek – zelfs niet het volledig uiteenvallen van zijn strijkstok. Hij greep gewoon de reserveboog die de dirigent altijd bij de hand had en ging verder zonder een tel te missen.
De uitvoering van Debussy’s La Mer was minder succesvol. Dit is een werk dat voornamelijk is gedaan met bekwame aquareltoetsen, en hier leken de cimbaalhits en verre trompet- en bugeloproepen een beetje overdreven. Maar La Valse, Ravels evocatie van de duistere kant van de wals, is een bedachtzaam stuk in zuivere olieverf, en opnieuw was de pure levendigheid van het spel opzienbarend. De laatste werveling in de vergetelheid was buitengewoon spannend. ik H
Meer BSO-data op bsolive.com